コードトーンアドリブ初心者 - ペンタトニックやメジャースケールは分かるけれど、先に進めない方へ

結論から言えば、コードトーンはスケールの何倍も難しく、何倍も重要です。
​
ギターでアドリブをするなら、まずはブルースでペンタトニックスケールから始めるのが妥当でしょう。
そしてメジャースケールも覚えて、何となくフレーズを作れるようになる…ここまでは何の壁も感じずにやれたかも知れません。

しかし、それに慣れてきた頃から「スケール上下してるだけ、他にやる事って無いの？」「音の選び方って何？」「理論を勉強しないとだめ？」などと、色々悩むようになります。

その頃になると、「もうスケールではどうにもならない」事に気づくようになります。だとしたら、今が学ぶその時です。それに気づかないとしたら、まだ耳が十分に育っていないのかも知れません。
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メジャースケールだけでアドリブ出来る？
​

「メジャースケールで、そこそこアドリブできます」

と発言する人はいます。

確かにそうとも言えるけど、言う人と受け取る人のレベルによって意味が全然異なります。
​
​
プロのジャズギタリストで、コードトーンを死ぬほどやった人が、それ言っちゃ誤解を与えると思います。

ジャズギタリストなら、コード進行に合わせて、スケールから簡単にコードトーンを抽出できちゃうからです。

スケールを弾きながらもアルペジオ的でない、コードトーンを意識したメロディを作れるからです。


コードトーンを弾ける人なら、メジャースケールだけでもアドリブできると言う事です。

メジャースケールを知っているだけでは、コード進行に沿ったアドリブができるわけがありません。

コードトーンに取り組んだ人なら、文字通り信じる人などいないでしょうが…


コードトーンの視点が全く無い、もしくは始めたばかりの人がそれを聞いたら…

「そうやって言うけど、じゃあ俺はなぜできない？」

「じゃあ、もっとスケール練習を真剣にやればいいのか？」

「プロが言うならコードトーンでなく、スケールでいいんだー」


と混乱させてしまいます。
​

ジャズをやっている人ならスケールを弾いていても、コードしか考えていないでしょう。

それくらいコードは大切だと、断っておき…

​シンプルだけど効果的な方法

まずスケールでアドリブしながら、その中の１音の響きに慣れて行く方法を伝授します。


​あるコードに対して、特定の音がどんな響きになるのか？

一つずつ試して、感じて、確信に変えていく、と言うやり方です。

これは昔から僕がレッスンで教えている方法です。

​

いくつかのレベルに合わせて説明
​

1. ​スケールしか知らない
2. コードトーンを意識し始めた
3. コードトーンで少し弾ける
4. コードトーンは大丈夫

順に少しずつ難易度が増していきます。

​

1. スケールしか知らない

スケールの７番目の音にフォーカスして、アドリブしましょう。

コードトーンをマスターする事がゴールですが、長い道のりです。

挫折する人が多いため、簡単で実践的なアイデアを紹介します。

スケールのある１音が、コードに対しどんな響きかを実験します。

今回は１６２５のコード進行に対し、スケールの７番目の音を選びます。

Cのキーだと、C - Am - Dm - G7です。

特に、CとAmに対してスケールの７番目の音（B、シ）を強調します。

まず１音を狙えるようにしよう
​

７thコードを弾く、といえば簡単だと思うでしょう。

しかしレッスンなどで、

「じゃあソロの中で、７thの音を選んで弾けますか？」

「…」


これができない人が多いです。

コードを弾いているのに、その中の１音を選べない…


何が問題なのでしょう？

それは…

スケールとコードが一致しない
​

二つを全く別物として見ているからです。

単純にコードの押さえ方を知っているだけ、という人です。


優先順位とか、バックに何が鳴っていて、何をマッチさせるといいかなど知りません。

知っていても、考える余裕がありません。

とりあえずスケール＝線を上下するのみです。


コードの響きは何となく耳で感じてはいるけど、対応はできない。
​
Cメジャースケールなら、Cを中心に弾き、AmでAを弾ければ、ましな方と言えるくらいです。


だから C - Am のコード進行で、Bの音をロングトーンやフレーズの締めくくりで使う事はできません。

経過音としてカスる事はあっても、強調できません。

適当にならコード進行に合わせて弾ける人も、隣接する音を辿る弾き方です。

​
​動画では最初からBをロングトーンで弾いています。
​

2. コードトーンを意識し始めた
​

次のレベルで…

中にはコードトーンを意識して弾く人もいます。


でも慣れていない人は、ルートの半音、または全音下という視点がありません。

７thとなると、自動的にアルペジオの１３５７と反応しがちです。


​つまりコードとはルートからの３度重ねという視点のみです。


下からも上からも眺められるようにしましょう。

​ピンポイントで弾けるようにしましょう。​


もしそれらは簡単だ、と言うレベルの人は、下のようなコードトーンも視野に入れてトライしてみては？

３. コードトーンを少し弾ける
​

次は、コードトーンを少し弾ける人に役に立つアイデアです。


７thコード（テトラッド、４和音）となると、３rdからのトライアドを弾くこともできます。

バンドがCトライアドを弾いていても、B（７th）を弾けば、全体でCmaj7の響きになります。

この際、Em（3rdからのトライアド）と捉えて弾くのもいいです。

ソロでも伴奏でも、重宝するアイデアです。


Amに対して、Bは９thです。

同じくEmを弾くといい感じの距離感が出せます。

​サンプルの中でも弾いています。


参考のために、ダイアトニックコードの４種に対し、右が３rdからのトライアドです。

• メジャー＝マイナー
• マイナー＝メジャー
• ドミナント＝ディミニッシュド
• ハーフディミニッシュド＝マイナー

この視点が非常に大切です、なぜなら…

サブスティテューション（代理）への第一歩
​

難しい用語ですね。

​任意のコードに対し、別のコードをあてがう、代用する手法です。

「７thコードくらいで大げさな」

と思われるかも知れません。

しかし、決して軽んじないで下さい。

なぜなら…

ルートを弾かないと、浮遊感のあるメロディになる
​

まずルートを弾くことは基本であり、大切です。

それをわきまえた上で、あえて３rdからのトライアドだけを弾くと、落ち着きません。

​落ち着きどころ（ルート）を排除しているので当然です。

その分、少しだけ距離感を演出できます。


これが非常に大切なポイントです。


アウトフレーズとか、よく騒がれます。

でも０か１０か、白か黒かというものでもありません。

例えば、ポップソングでアウトフレーズなど不要な時に、上手く弾けますか？

ジャズ以外、多くのスタイルではアウトフレーズなどいりません。

むしろ、ささやかに距離感、浮遊感を出す方法を習得すべきなのです。

4. コードトーンは大丈夫

インターバルにバラしましょう。

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​最初のyoutubeサンプル動画でも、３度インターバルで弾いています。

結果的にCやAmに対し、Gトライアド（２：４７〜）となってます。
​

３度だけでなく、ルート〜５th、３rd〜７thは５度となります。

音程差が激しいので、短く弾けば鋭角な動きになります。


それぞれ逆さまにすれば、４度になります。

またドミナント、ハーフディミニッシュドではトライトーンも含みます。


トライトーンに馴れ親しむのは重要です。

緊張と緩和のコントロールが１つ。

もう１つは、表裏の関係を捉えるために欠かせないからです。


​最後に…

際立たせたいなら、頻度をコントロールする
​

スケールの７番目の音を、フレーズの最後やロングトーンで使う以外に、もう一つアドバイスがあります。

ペンタトニック（７を含まない）のフレーズをしばらく弾き、リスナーの耳を慣らす仕掛けをするといいです。


慣れたところで、さりげなく７番目の音を弾くだけでも際立って聞こえます。

聴覚は相対的ですから、頻繁にヒットすれば慣れます。
​

全体の雰囲気がオープンな感じ、浮遊感を出したければ、多めに弾けばいいでしょう。

逆にここぞと言う時のスパイス的なニュアンスが欲しければ、出し惜しみすると良いです。
​

ベストタイミングを待ちましょう。

​そういった抑制の美学を知ると、楽しみが増えます。

ここまで、いかがでしたか？
​

たった１音の使い方でも、いくつかの視点を持てます。

音数を増やす前に、この学びをするといいです。

僕は昔、その逆をやってしまいました。

手に負えなくなり、使い方も乏しく、基礎へ戻る事になりました。


あなたはどうですか？


足せばいい、増やせばいいというものでもないのです。

少ない方がコントロールが利く、使いこなせます。

使いこなせる＝つまり自由になれるのです。
​

難しい事へチャレンジ、それは魅力的に感じます。

でも少ない音でいかに、色々できるか？

それもまた同様に、難しいチャレンジなのです。

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​ロングトーンやスロープレイの大切さを通して、コードトーンを習得する

​ロングトーン、スロープレイは感情を込めるために大切です。

あまり知られてませんが、コードトーンを習得する効果的な方法でもあります。

今回は、スケールの２番目の音をサンプルに説明をします。

ペンタで使い古した感じのあるこの音ですが、息を吹き返すような、フレッシュな感覚を得られるでしょう。

​スケールの２番目の音でやってみる

ロングトーンでコードとのマッチングを確認して下さい。

自分は同じ音を弾いていても、コードが変わるたびに違った感情が湧き上がるでしょう。

その体験を増やし、なぜそう感じるのか？を分析します。

１−６−２（４）−５を機能で分けます。

１と６＝トニック
２（４）＝サブドミナント
５＝ドミナント

慣れたら各コードでもフォーカスできるようになって下さい。

コードの響きを感じ取れるか？
​

add9のコードを知っている人は、ロングトーンでその響きを確認して下さい。

前回のメジャー７やマイナー９もそうでした。

すでにコードで弾いていたにも関わらず、その音はアドリブのネタになりませんでした。

なぜでしょう？

スケールとコードは別物と考えていたからです。

成長するに従い、以下の変化をたどるでしょう。

1. スケールを覚えればアドリブできる
2. スケールとコードは切っても切れない
3. スケールなどどうでもいい、コードが全て

スケールの７番目の音と違い、２番目の音はまた違った現実を知らされます。

２番目の音はペンタで弾いてきた
​

スケールの２番目の音は、すでに手垢がつくほど弾いてきたはず…

この音、このポジション、なぜその使い方に盲点があったのか？

コードの重力を無視という証明です。


「ペンタは弾ける、違うスケール覚えなきゃ」

と言う前にやる事はあります。

ロングトーンやスロープレイで、各音の効果を知らねばなりません。

色んな人のリックを覚える時、それは概して速弾きやパターンやトリックである事が多いです。

そんな事しか関心が向かないからこそ、灯台下暗しになります。

ロングトーン、スロープレイの効能
​

この動画ではなぜコードトーンの習得が難しいのか？

そしてロングトーン、スロープレイがどれほど効果的で、コードトーンの習得に役立つかを説明します。
​

アドリブ＝スケールからアドリブ＝コードに意識を少しずつ変えよう
​

前回の記事から、スケールの中の１音だけにフォーカスし、響きを確認してきました。

このシリーズはコードトーンの習得が難しいので、少しずつ慣れて行く企画です。

ところでコードトーンはなぜ難しいのでしょう？

1. 各弦に１音または２音、つまり弦移動が激しい
2. コードが変わるごとに、選ぶ音も変わる
3. メロディが作りにくい

1. 弦移動が激しい
​

コードトーンは、各弦に１音または２音しかなく、弦移動が激しいです。

肉体的に弾くのが難しく、ピッキングのスキルが問われます。

スケールは各弦に２、３音なので、弦移動はあまり激しくありません。

コードトーンに慣れれば、いつも弦移動している訳ではないと分かるでしょう。

最初はそう言う印象を受けても仕方ありません。

2. コードが変れば、選ぶ音も変わる
​

スケールだけの視点だと、コードが変わろうがおかまいなし。

一本の線（​スケール７音）を、上下するだけです。

テキトーに音を繋いで、フレーズの落とし所を探します。

だから速弾きはごまかしと言うのでしょう。


コードトーンは違います。

スケール７音から、３音か４音を抽出します。

コードが変わるたびに、違う音（共通音も含みますが）を抽出します。


スケールだと、見えているものが一つの線（７つの音）、対して、コードトーンでは４つの音の組み合わせ（ダイアトニックコード）です。

ダイアトニックコード＝７thコード（４音）の７つの組み合わせです。

それは基礎であり、ダイアトニック以外のコードがあればそれ以上です。


だからスケールとは比較にならないのです。

3. メロディが作りにくい
​

コードトーンの必須の練習方法で、アルペジオをします。

上の１と２を習得するためにも有益です。

ところがアルペジオをやっているだけでは、メロディになりません。

いくらやっても機械的に聞こえるだけです。

もちろんそれを素材としても使いますが…


メロディの骨格をなすのがコードトーンです。

アルペジオでは、その意味は分からないでしょう。

コードトーンでメロディックに弾くには、アルペジオをやっている以上ダメだと思いませんか？


以上３つをまとめると…

成果がインスタントに見えない
​

だから挫折してしまいます。

アルペジオの練習はハードです。

しかも、やってもメロディックにならない…

「機械的なアドリブになるだけじゃないか？」

「かっこいいフレーズのコピぺの方がよっぽど良くね？」

今すぐ、プロセスはいらない、結果だけが欲しい…そんな世の中になってしまいました。

全てがインスタントなご時世、結果だけを欲しがる人は必ず挫折します。

タップやクリック一つで何でも解決すると思ってはいけません。


と、断りを入れておいて…

ロングトーン、スローフレーズが救い
​

ロングトーンやスローなフレーズ主体に弾くと、スケールでアドリブしても全く響きが変わってきます。

伸ばしている間、コードの響きと完全にブレンドするからです。

コードの重力に対してどの音を選択するか？

その問いに対し、注意深くならざるを得ないからです。


感覚的にできる人もいます。

ただ必ず吟味して下さい。

でないと再現性が低く、慣れた場所でしかできません。

最初はそこから始めるしかありませんが…

​​
だから救いはあります。

​唯一必要なのは…

謙虚な心
​

謙虚にロングトーンやスローフレーズで練習する事です。

弾けるようになる＝沢山の音を弾けるようになる、だけでありません。

少ない音を効果的に弾けるようになる事も大切です。


謙虚に、と言うと腹がたつかも知れませんが…
​
突き詰めてやれば、どれほど効能があるか気づくでしょう。

「ロングトーンやスローフレーズのマスターになるんだ」

とポジティブになれたら素晴らしいです。


どんな効能があるのかと言うと…

ロングトーンやスローフレーズの効能
​

• 各音の響きを確認しやすい
• コードトーンのつなぎが楽になる
• 小節線を動かす事が楽になる
• エクステンションが楽に使える
• なだらかでメロディックになる

要するにバラードのテーマを弾くようなものです。

いずれも重要なトピックです。

何でもゆっくりやる、響きを感じながらやって下さい。

​沢山弾かなくてもいいと分かるでしょう。

１音に含みを感じさせるような弾き方、と僕はポジティブに捉えてます。

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ギターを使って耳を鍛え、指板を把握する

耳を鍛えながら、コードトーンを把握する方法を紹介します。

これをやらないと、いつまでたっても上達できません。
​
「コードトーンはアルペジオを練習すればいいの？」確かにアルペジオは必須です。

練習と言うと、フィジカルなものばかり頭に浮かびますか？

だとしたらそれは危険なサインです。


スケールの６番目が、コードに対しどう響くのか？説明します。決定的な違いをもたらしてくれるでしょう。
​

​

１つの音の響きがコード進行に対してどう変化するか？
​

コードが変わるたびに響きがどう変化するか？

ロングトーンやスロープレイを通して身につけます。

是非トライして下さい。


ところであなたは耳を鍛える練習をしますか？

難しすぎ、もしくは甘過ぎ

イヤートレーニングアプリは、外出先ではいいでしょう。

闇雲に耳を鍛えるよりは、指板上でコードフォームと関連づける事をおすすめします。

何もない状態で音程を聞き取れる、そうなりたいものですが…難しいです。

それに結局は指板上で音の位置を把握せねばなりません。


​コードを鳴らし、それに対する度数、響きを自分になじませる練習をした方が現実的です。

耳を鍛える事、コードトーンを覚える事、この二つを個別に練習するのは社会人には厳しいです。


反対に、youtubeなどのバッキングトラックはかっこいいですが、情報が多過ぎて邪魔です。

コードトーンを把握しようにも、集中できません。

​これに合わせてアドリブすれば、適当にやっても楽しく、気持ちよくなれますが…

スウィングやファンクのグルーヴ、かっこいいベースやドラムの動き、エクステンション混じりのコード…まともな練習になりません。

響きをよく聞き取る必要があるからです。

だからシンプルにトライアドを鳴らすだけのものが欲しいです。

スケールの６番目の音
​

１６２５のコード進行でデモを弾いています。

C - Am - Dm - G7

スケールの６番目の音はAです。

だから…

• C - 6
• Am - R
• Dm - 5
• G7 - 2

少し距離感を与えるなら、トニック１コード＝Cの６th、ドミナント５コード＝G７の９thという使い方です。

コードトーンとなる、Am（Root）とDm（５th）はコード進行を強調するのに良いでしょう。

響きをよく聞く
​

１つの音でも、コードが変わるたびに響きが変わります。

それぞれのコードに対し、役割が違う事が分かります。


これまで吟味せず発音してきましたか？
​

スケールの７番目、２番目、６番目の音をやっています。

なぜその順にしたのかというと、多くの人はトニックを基準に覚えるからです。

距離感とかカラーを感じやすく、また見つけやすさなどを考慮しました。


その点、６番目の音は若干、地味かもしれません。

下の動画のCトライアドに合わせて、Aの音がどう混ざるか確かめて下さい。

これがC６コードの響きです。

使っている音はAm7と完全に一致していますが、Cがベースだとマイナーの響きが薄らぎます。

どっちかよく分かりにくい響きとも言えます。

ビバップではよく聞く音
​

Cトニックに対し、Aの音でフレーズを締めくくる事はよくあります。

ビバップではチャーリーパーカーなどで聞けます。

２番目の音もそうですが、フレーズの締めで使う時は優しく弾きましょう。

その方が意図して弾いている感じがして良いです。

この使い方は最初は違和感があり、慣れが必要です。

ルートの安定した音
​

Amに対してはルートになります。

​超安定した響きです。

先ほどとは逆にAm以外に考えられない響きとなります。
​​

５thの響きを知る
​

Dmに対して、Aは５thとなります。

同じ音を弾いていても、完全に響きが違います。

9thの響き
​

G７に対してAは９thとなります。

G７はトニックに向かう働きがあるので、９thを弾くと距離感があり効果が増します。
​​

​２つの音で効果の違いを実験

今度は２つの音を使って、コードトーンとノンコードトーンを行ったり来たりします。

コードの重力を感じながら動いてみましょう。

ベンドしてやると…
​​

すでによくやっている動き
​

ベンドしやすいポジションとして、みんなやりますよね？

で、やり過ぎて次第に…

「なんか他にもっとやれる事ないのか？」

と悩みに変わったかもしれません。


悩みは良い兆候で、そう感じて初めて次のステップを踏めるようになります。

だから死ぬほどやればいいです。

悩みながらも同じ事を続けて下さい。

そうすると…
​
ある時点で自然に次の音が見えて、聞こえてくるでしょう。

その時に自分のフレーズを弾けている実感が湧くはずです。


振り返るとすでに知識として学び、練習もしていた事だったと気づくでしょう。

でも、その開眼を早める方法はないのでしょうか？

テクニック＝フィジカルをやめないと分からない
​

「なぜこれをベンドしなければいけないのか？」

「スライドではダメなのか？」

などと疑ってください。


どんなにスラーテクニックを変えても、粘りのニュアンスが違うだけで、音そのものは変わりません。

音符にすれば、GからA、AからGです。
​

スケールしか考えない人はそこが壁となります。

フィジカルなテクニックに原因がある、と信じているからです。

テクニック＝フィジカルと考えています。


「なぜだろう？」

「各音には意味があるのか？」

と考えるプロセスが大切です。
​

コードの重力を無視していては分かりません。

それに気づくまで悩むと良いです。

音の選択もテクニックだと気づくためです。

​これは見えないテクニックです。

コードの重力に対してどうなのか？
​

これを知らないなら、適当に弾いているだけとなります。

見せびらかす為に色んなテクニックを練習をして来た人は、ここで完全に打ちのめされてしまいます。

​…僕がそうでした。

​
９th、１１th、１３th…

「コードってなぜこんな面倒な書き方を？」

「何か理由があるのか？」

そう思った事はありませんか？


そんな時は実験、分析あるのみ。

理論が分からなくても、これくらいの事はできるはず。

大げさに聞こえますが…
​

弾く順番
​

G７の音を聞きます、そしてGの単音を弾きます。

どう感じましたか？

コードの響きに対して、ど真ん中ストレートの音、これ以上ない安定感、安心感…

どんな言葉を思い浮かべますか？

自分の言葉で表現してみてください。

何かに例えられると、自分のものにしやすいです。

ノンコードトーンの響きを改めて感じる
​

G7をもう一度聴いて下さい。

そしてAの単音を弾いて、どう感じますか？

スケールの２番目の音で、トニックに対して感じた距離感と同じです。


「いや、ちょっと違う。全く同じ響とは言えない」

ドミナントとトニックの響の違いに気がつけば、大したものです。


どっちにしても、コードと完全一致した響きから、そこから外れた響きになった事を確認しましょう。

そのままほったらかすと…

知っている、は疑うべし
​

G9のコードになります、G9のフォームはすでに知っているでしょう。

Aの単音をロングトーンで弾いて、G7コードをじゃらんと弾く。

どう感じましたか？
​

外れている、落ち着かない、遠い、浮いている、オープンな感じ、はっきりしない、嫌な感じ、…

など自分の言葉で表現して下さい。


ドミナント９はすでに弾いてきたかも知れません。

しかし、その音の意味、響きを本当に味わってきたでしょうか？


「ダイアグラムでフォームを覚えたくらいで、知っていると勘違いしていたんじゃないか？」

「初めてコードの響きを聞き取っているようだ…今まで何してたんだ？」


疑う事なしに成長はないと思います。


では、フレーズの最後をこの音にするという事は？

この印象で終わらせるという事なのです。

コードトーンに戻ると
​

全音上か下かに動くとコードトーンになります。
​

ルートに収まると、どう感じますか？

３rdでは、どう感じますか？


落ち着く、気持ちいい、２音なのにメロディックにさえ感じる…

自分の言葉で表して下さい。

​
この感じを知っていれば、２音だけで済ませられるのです。

音数を調整する術を知る事は大切です。

弾きまくる状況と、少ない音で聴かせる時と対応できるようにしましょう。


そこで重要になってくるのが…

時間のコントロール
​

感情を込めるというと、ダイナミクスとかビブラートとかベンドなどのテクニックを思い浮かべるでしょう。

それ以外にも時間のコントロールも大切です。

• どれだけ伸ばすか？
• いつやるか？

コードの重力に対するコントロールとなります。

先ほど、音を伸ばした時の感情を、どれだけ維持するか、もしくは消し去るか？


そして発音する拍でも印象は変わってきます。


露骨にやりたいのか？さりげなくやりたいのか？

​そのさじ加減がテクニックです。


これまでは、ソロ全体の使う量のさじ加減を話しました。


塩のさじ加減一つで味が大きく変わるのと同じです。

新しいアプローチが何だとか言う前に、本当に知るべき事はまだ沢山あると分かります。

ベーシックすぎるくらいがいい
​

このシリーズの３回目にして、難しくなるどころか、どんどん基礎的な話に逆戻りしていると気づきましたか？

第１回目が有益に感じた人は、そこから基礎への旅路をスタートしました。

僕はそのガイドをしているに過ぎません。

分かりきった話をしているだけです。

でも、

「新鮮に感じた」

「初めて本当に知ったような気がした」

と言う人もいるでしょう。


結局のところ…

このメカニズムのバリエーション
​

コードに対し、任意の音がどう感じるか？そしてどこに着地するか？

タイミングをどう調整するか？
​

これが音使いの本質なのです。

あとはそのバリエーションです。

​何やってもいいのです。


そうと知ると安心しませんか？

それについてもぼんやり気づいていたでしょう。

​ただ、ここまで極端な実験をして、自分で確かめないと本当に分からないものです。

そこまで自分を縛らないと見えなかったりします。

沢山のノイズに取り巻かれているからです。
​

本質を知り、そこから広げていくのが自然です。

ただし、そこに到るまでが大変です。

事の重大さに気づけないからです。


色々手を出して苦しんで、本質を探し求めて、結局基礎に戻り着き…

と言うプロセスです。

ひたすら謙虚にさせられます。


だから個人的な意見としては…

新しい情報は有害と疑う
​

新しいアプローチとかもてはやされているものを有害と疑う事です。

「自分はまだそのレベルではない」

「それはトッププロのやる事」

と封印した方が身のためです。
​

いつも英語の例えをしますが…

まともに日常会話ができない人がいたとします。

一生懸命難しい単語や言い回しをしようと、つまりながら話そうとしてたら何と思うでしょう？

「もっと普通に話せよ」


やっても無駄とまでは言いません。

いつかは役立つでしょう。

でも、大変な勘違いをしている事に気がつかないというのが問題です。


虚栄心に取り憑かれていると、目新しいアプローチがさも有益に見えるのです。

「これを取り入れれば、俺は上手いと見なされる」

「クールだ、最先端だ」


迷路にハマるだけです、それよりも…

すでに知っているものを掘り下げ、新しい次元の理解を得る

すでに知っているもの、やっているものを掘り下げて下さい。

本当はそれらの事も、よく知らないで何となくやっているに過ぎません。

くどく言うのは、僕自身そうだからです。

​いつもそうやって疑っています。
​

掘り下げていくと、深いところで色んな情報が繋がっている事が分かります。

まとまり感を得るとは、情報の点と点が繋がる事を意味します。

すでに学んできた事にまとまり感を得ていますか？

​多く仕入れる事より、深みを持つ方が近道です。

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アヴォイドノートの扱い方

「しまった、音を外したー」と青ざめる瞬間はありませんか？

誰にでもある事ですが、今回はその代表例を紹介します。

これが分かれば…

「スケールに沿って弾いているのに、変だな…」

「さっき弾いた時は大丈夫だったのに、なぜ？」

という疑問も解消できます。
​
アヴォイドノート、コードトーンを知らない人は無意識に弾いてしまいます。

スケールの第４番目の音をテストし、アヴォイド＝避ける、どういう時にNGで、どういう時ならOKなのかを紹介します。

​また、同じ音でもあるコードに対してはアヴォイドとなり、また別のコードではコードトーンであるという話もします。

​

アヴォイドノート
​

アヴォイド＝避ける、という意味です。

理論上、避けるとなっていますが、考えたことはありますか？

敢えて使っている曲もたまに耳にします。

聴覚上かっこよければいい、とも言えますが…

アドリブで使うには、理解して使う方がいいでしょう。


スケールの４番目の音を検証します。

トニック系は注意
​

• トニック(4)
• トニックマイナー (b6)
• サブトニック (b2)

​ダイアトニックコードのトニック系では、スケールの４番目の音はかなりリスキーです。

それ以外のサブドミナント、ドミナント系はむしろコードトーンとして必要な音です。

これを細かく見ていきましょう。

何がアヴォイドなのか？
​

弾いてみれば分かります。

トニック系でこの音をメロディの骨格として価値を与えると、変な響きになります。

​これを実際にテストして感じて下さい。

コードの響きを阻害する、と言われています。


個人的にはそういう変な響きが欲しければ、それでいいと思います。

ただし…

​ロングトーン、フレーズの最後の音としない

明らかに失敗、という例を考えると…

ロングトーンやフレーズの最後の音にする場合です。

これらの音は前回までの記事を通して、大切だと言いました。


ただし今回のように、それをしない方が良い場合もある事を知って下さい。

つまりその音を弾いてはいけないのではなく…

価値の高い音として使わなければ良い
​

経過音、アプローチノートなどは大丈夫です。

前回でも書いたように、ここでも時間が大切です。

どこまでオーケーなのかは、テストしながら調整するしかありません。

明らかに変な音と分かっていても、意図している事が通じればいいのです。

最終的にはその人のさじ加減です。

リスクをどこまで取れるか、テストしてみましょう。

今回の動画のように、何度も弾くと耳が慣れてきます。

​ソロの中で何度も短く弾いていると、少し長めに弾いても大丈夫かもしれません。

サブドミナントではコードトーン 
​

ではサブドミナントを見て見ましょう。

• ２コードではm3
• ４コードではルート

つまり無くてはならない音です。


「おかしい、さっきミストーンに感じたのに…」


​という経験があったらこの場合でしょう。

スケールの４番目を思いっきりロングトーンで弾いても、大丈夫な時があるのです。
​
その事が分からないと、最悪のケースでスケールの４番目の音＝アヴォイドという誤解すらありえます。


だからスケールだけで音を判断する事は不可能です。

バックのコード、重力に対してどうなのか？それです。

ドミナントでもコードトーン
​

ドミナントもコードトーンです。

• ５コードでは７th
• ７コードでは５th

僕にとって７コード（ハーフディミニッシュド）は難しいコードでした。

多くの人にもそうだと思うので、これまで避けてきました。


それで１６２５だけに限定していました。

でも慣れてきたと思うので、４や７も紹介します。

​
ハーフディミニッシュドのb５こそ、ダイアトニックコードの中で唯一のものです。

それがスケールの４番目の音なのです。

トニック系＝アヴォイドノートというイメージにより、使うのを躊躇して欲しくありません。

​だから…

サブドミナント、ドミナントに対しては安全な音

サブドミナント、ドミナント＝コードトーンとしっかり覚えましょう。

もちろん弾いて響きを覚えて下さい、文を暗記するのは馬鹿げてます。


ダイアトニックコードの３種類の機能を意識しましょう。

動的なサブドミナント、ドミナントには、それ（動的）を感じさせる音と捉えるといいかもです。

ご自身のイメージを言葉で表現して下さい。

外したと思ったら半音下げる
​

それでもアクシデントでやってしまった時は、半音下げましょう。

それで大丈夫です。

対策を講じておく事です。

もちろんこれ以外にも外すポイントはあります。

---

最も重要な音とは？
​

「最も重要な音は？」​テンションについては色々話すのに、その問いに答えられない…そう訊かれて冷や汗かいてませんか？

​そんなに難しく考えないでください。

あなたはトニックを軽視してませんか？緊張ばかりで緩和を無視してませんか？

​難解なトピックではありませんが、敢えてトニックについて今一度考えて見ましょう。
​

スケールの１番目の音
​

ついにスケールの１番目の音を見てみます。

スケールしか弾けない人は、この音からフレーズを始める事が多いように思います。

スケール練習するとき、常に最初の音から始めるからでしょう。

つまり最も体に染み付いた音と言えます。

安全、帰る場所、改めて感じる

無意識に使っているとは言え、コードの響きをバックにその音がどう感じるか試した事はありますか？

改めて、その落ち着いた感じを確認して下さい。

コード進行にもよりますが、シンプルなダイアトニックコードのものでしたら、その音を弾けば分かるでしょう。

​つまり…

キーをキーたらしめる音
​

トニックを知っている…それは相対して他のどの音にフラットかシャープがついている、という事も含みます。

スケールの一番最初の音ですが、実は曲の最後に締めくくりで使われる音です。

一番大切、安心する音とも言えます。

曲のキーを決定づける音、中心の音…色んな捉え方ができますね。

極論すれば、それとそれ以外の音
​

戻る音、それとその他の音と大別する事もできます。

ちょっと大雑把過ぎるかもしれませんね。

​でも、コード進行が分からない場合には、それくらいシンプルに考えるといいでしょう。

理論的な話になりますが、トニックとドミナントの動き＝静と動を極端にするとそう考えても良さそうな気がします。

つい細分化する話に偏りがちですよね？

だから、たまにはそれくらい大きく捉えるのもいいです。


​そこでポイントになってくるのが…

使えば安心感
​

当然ですが使えば安心感、でも下手にやり過ぎると退屈にもなり得ます。

あえて印象付けておいて、そのあとに軽くアウトするのもやりやすいです。

つまり、超インサイドを感じている事になるので、アウトのつなぎさえ気をつければ簡単にコントロールできます。

サニー ロリンズやウエス モンゴメリーなどは露骨に使います。

くどいほどです、それでもいいのです。

例えば、緊張と緩和をテストするのに、半音上下の音にずれる事から始めるといいでしょう。


このように最も安心する音なわけですが…

アヴォイドとなる場合もある
​

コードによってはアヴォイドになります。

​先ほど最も安心する音と書きました。

しかし動的なコードであるドミナントでは、逆にアヴォイドとなってしまいます。

Cメジャースケールで例えると、ドミナントはG7です。

Cの音はG７の３rdであるBの半音上です。

つまりGから数えると４番目の音となります。

ドミナント５と７
​

• ５コードに対しては、４番目
• ７コードに対しては、半音上

これらは先ほど紹介したように、フレーズの最後やロングトーンを避けた方がいいでしょう。

動的なコードなので、最も安心する音は居心地が悪いのです。

ただし、例外もあります。

susコード

sus4とかよく見かけると思います。

この場合は、3rdの代わりに4thを使うので、注意が必要です。

​例えば、G7susと書いてあっても同じ意味です。

もしくはG9susも同じです。

いずれもBでなく、Cをヒットします。


表記の仕方はややこしいですね、でももう少し説明が必要です。

表記の仕方を理解する

いずれもsusコードです。

• Dm7/G＝G9sus
• F/G=G9sus
• G11
• G4

このように人によって表記の仕方は色々です。

肝心なのは、3rdでなく４thを弾く事です。

音を多く重ねるかどうかは、プレイヤーに委ねられている事が多いです。

アレンジによってはヴォイシングの細かい指定もあります。

サブトニックは？
​

Cのキーだと、Em7がサブトニックです。

これは５度の半音上で、際どいところです。

動画でも弾いてますが、実は結構気持ち良かったりします。

Cmaj9/Eという響きになります。

​
ただし、Emの響きを表現したい意図には聞こえません。

ですからケースバイケースで使うといいでしょう。

---

スケールの中で最も肝となる音
​

「アウトフレーズとか難しい…」と漠然に恐れてませんか？

​スケールの５番目の音は「最も使い勝手の良い音」だと思います。

トニックからスケールを眺めるだけではいけません。

他の音からの視点も持つべきです。

​それがモードなんですが…

​中でも最も肝となるのが、今回説明する５番目です。

​

スケールの５番目の音
​

スケール５番目の音を掘り下げます。

どんな印象がありますか？

ちょっと考えてみて…

• Cメジャースケールのソの音
• トニック（１コード）の５th
• ドミナント（５コード）のルート

こんな感じですかね。

ロック系の人ならパワーコードで親しみを感じることでしょう。

ジャズ系の人だと…

「５度は省略することが多いんだよね」

「５コードのルートか、裏コードはどの音かな？」

という印象かもしれません。

最も肝となる音
​

スケールとして捉えながらも、少しコードの視点も加えずにはいられません。

​スケールをトニックから捉える、数える事は基礎の基礎です。

次に重要なのは５番目からの視点です。

トニックとドミナントの動きはハーモニーの基礎の基礎です。

ドミナントの感じを出すには、５番目の音を中心に見る必要があります。

スケールのほぼ中間に位置する
​

スケールのど真ん中の音は#4になります。

５番目の音はその隣ですから、ほぼ真ん中です。

実は多くの人はスケールと言うと、トニック中心に見ています。

無意識のうちに、です。


スケールの真ん中あたりから見れますか？

まずはそこからスタートです。

で、面白いのが…

アヴォイドにならない安全な音
​

ドミナントの話ばかりするので、

「ついに難しくなってくるか！？」

と構えてるかもしれませんね。


これは僕の意見ですけど…

５番目は一番使い勝手の良い音です。

前回の記事でトニック（スケールの最初の音）が最も重要と書きました。

戻るべき所、家、安心する場所、キーをそのキーたらしめる基礎の音、みたいな感じです。


ところが、その音も実はアヴォイドとなりうる説明をしました。

ドミナントに対してはアヴォイドになってしまうんです。

スケールの中の半音の音程がある部分、３〜４、７〜１が問題です。

コードトーンに対し、半音上に位置する音がアヴォイドになります。

４と１の音がそれにあたります。



スケールの５番目の音はアヴォイドになりません。

前後が全音で離れているからです。

つまり、ダイアトニックコード内であれば安全極まりない音となります。


アヴォイドにならないだけではありません…

トニックの５度
​

最重要コードである、トニック１コードに対しても５度となります。

ベーシストはルートと５度を弾きますよね？

１コードの中でも５番目の音は重要なわけです。

当たり前すぎますか？

じゃあ他のコードに対してはどうなんでしょう。

考えた事ありますか？

どのコードにもマッチする
​

• トニックマイナー（６コード）＝７th
• サブトニック（３コード）＝３rd
• サブドミナント（４コード）＝９th
• サブドミナント（２コード）＝１１th
• ドミナント（５コード）＝ルート
• ドミナント（７コード）＝b６

弾いて見れば分かりますが、どのコードに対しても気持ちよく響きます。

​アヴォイドにならないからです。

​つまり…

トニックの終始感はないが安全地帯
​

極めて安全地帯と言えます。

トニックは終始感があり、連発するのはくどいかもしれません。

しかもドミナントではアヴォイドになるリスクもあります。
​

その点、５番目の音は重宝します。


僕も、ロングトーンで弾く頻度が最も高いです。

その次が２番目の音だと思います。

感覚的にやっていましたが、アヴォイドとならない安全な音を中心にやっていたんでしょうね。

ドミナントのルート
​

５コードではルートとなります。

７コードではb６なのですが、よくメロディにも使われます。


全てのコードにフィットする…

「ああ、使い勝手のいい音ね」

で片付けないで下さい。


ドミナントのルートなのです。

これがまた重要な意味を持ちます。


ここから少し複雑な話になって行きますが…

ブルースフレーズで重宝する
​

「メジャースケールとペンタは弾けます。でも、つまんないので他に何やったらいいですか？」

よくある質問です。


「じゃあブルースは？」

「マイナーペンタもできますよ」

「じゃあ１６２５のチェンジでブルースフレーズ混ぜたらどう？」

「？？？」

となる事が多いです。


いわゆる１２小節の３コードブルース、マイナーキーのコード進行でマイナーペンタを使う事しか知らない人たちです。

メジャーキーでも普通に弾けなければいけません

ドミナントの視点
​

​１６２５のコード進行に対し、ブルースフレーズを混ぜるとしたら？

初心者が始めやすい場所は、５コードです。

ドミナントがトニックに戻りたい、という緊張があるところで変わった音を入れるのが鉄則です。
​

しかもマイナーペンタ（キーがCなら、C Eb F G Bb）の中でも、選ぶ音が肝心です。

CかGで始まり、終わるなら何を弾いても安心です。

メジャースケール、メジャーペンタ、マイナーペンタの全てに共通する音だからです。

あと、最も大切なのはフレージングです。

ブルースフレーズを混ぜるのが不安な人、闇雲にスケールを上下してませんか？


ブルースフレーズとメジャースケールのフレーズが切れ間なく、弾けるように練習しましょう。

変なスケールはこの音からスタート
​

メジャースケールを５番目から見ると、ドミナントの機能を感じやすくなります。

ディミニッシュド、ホールトーン、オルタードスケールを練習するためにも重要です。

メジャースケールをトニック基準でみるだけだと、これらのスケールに視点を変えるのがきついです。

そもそも変則的な音並びです。

これらのスケールに挑む前に、メジャースケールを５番目から見るように癖をつけましょう。

それを基準に上昇、下降に分けます。

変なスケールも半分に分けて覚えると楽です。


ブルースフレーズを混ぜたのと同じです。

メジャースケールを弾いていて、さらっとアウトスケールを溶け込ませると自然に聞こえます。

その場合、露骨にスケール全部を弾く時間はありません。

部分的に使うのみです。

でも、それで十分かっこいいんです。


半分ずつ覚えるのは実用的です。

これまで上手くいかなかった人は、是非この方法をトライして見て下さい。

​

---

ギターソロに抜群の即効性を秘めるこの音の捉え方
​

「音楽理論だけ勉強してもなあ…」「ギターソロにすぐに役立つネタが欲しい」それなら最も弾きなれた１音から、コードの学びを始めましょう。

​すでに知っている事からでも、色んな事ができます。

「スケールはただ覚えて適当に上下するだけ、簡単でいいよ」
というレベルから、音を選択できるようになると引き出しが豊富になります。

最後はスケールの３番目の音にフォーカスします。初心者からジャズを演奏したい人まで、幅広く役立つ内容となっています。

​

テスト
​

試しに無伴奏で、この音を除外してスケールを上下してください。

どんな風に感じますか？

スケールの３番目の音はメロディを作る上で重要です。


メジャースケールの感覚で弾いていれば、そのイメージがメジャーを思わせるかも知れません。
​

次にフラット３rdで弾いてみましょう。

メジャースケールのそこを変えてしまうと、どうやっても悲しくなります。

​余談ですが、これはメロディックマイナースケールです。

こうして捉えるとシンプルですよね？


それをやった上で…


​普通の３番目の音に変えて下さい。

スケールを上下しながら、とても明るい感じがしませんか？


無伴奏だと、メロディだけでコードの感じを汲み取ろうとします。


スケールのトニックを意識した時点で、３番目の音が明るいメロディを作る決定的要素だと分かります。

当たり前すぎますか？

この原理を良く分かっていれば、スケールだけでなく…

コードでも同じ事
​

初歩的すぎるかも知れませんが、コードでも言える事です。

コードでも３rdが、明るさ、暗さを決めます。

混乱しないで下さい、例えば

• CならEかEb
• GならBかBb
• DならF#かF
• AならC#かC

​
メジャー３rdとマイナー３rdです。

コード理論の基礎の基礎ですが…


コードトーンを操るとは、瞬時に切り替え可能だという事です。

これは書かれたコード進行に対応するだけではありません。

自分が欲しい時、他人が弾いたもの、にも反応できるようになりましょう。


では、話をスケールに戻して…

メジャーペンタで慣れた場所
​

スケールの３番目の音を使って少しずつ、コード的な視点にシフトして行きましょう。

​メジャーペンタトニックで慣れ親しんだポジションがいいです。


Cのキーで、２弦の５フレットのEとします。


任意の音が各コードに対し、違う機能をする…

シリーズを通して少しずつ説明してきました。


ここから少しチャレンジです。

任意の音から、どれだけのコードを作れるか？

という視点に切り替えます。

​なぜそういう練習がおすすめなのか？

​自分が何を弾いているのか知る

スケールの視点は線です。

隣り合う音を辿るという感じです。


コードはスケール運指の１音飛ばしです。

弦移動が激しく、弾くのが難しい。

そのせいか、アルペジオなどの運指練習にフォーカスしがちです。

でも肉体的な鍛錬だけではいけません。


一つの音がどのコードの何の音なのか？

それを知らずに、アルペジオばかり弾いていては、結局自分が何をやっているのか分からないまま。


​狭いポジションでいいです。

各音を自分が分かっていて、選んで弾くようになりましょう。


ではここから下を読む前に一度、Eの音を含むコードを探してみて下さい…

最低３つは見つかるでしょう。

見つけやすい３つのコード
​

簡単すぎましたか？…

• C＝１コードの３度
• Am＝６コードの５度
• Em＝３コードのルート

ペンタを弾いていたら、CやAmはすぐ気づきますね。

Emはどうでしたか？

​

基礎的なコードフォームを良く知らない人は、これができません。

Emを押さえるのに、AやEのバレーフォームだけ、という人です。


これら３つを見つける事は簡単ですが、すごく大切です。

​後で応用を紹介します。


​まず他のコードも見て行きましょう。

４コードのメジャー７th
​

Fメジャーの７thになります。

​ここでも上と同様な話になります。

Fメジャー７を押さえるのに、AやEのフォームしか知らない人は分からないです。


CやDフォームの押さえ方ができる人は、すぐに分かりますね。

要するに…
​

1. コードの押さえ方をEADGCのフォームで知っているかどうか？
2. なおかつ、各フォームを4種の７thコードに変形できるか？

という話です。

まずは…

「一つのコードにフォーカスすればできる」

を目指しましょう。
​
​
でも、そこで喜んでいてはいけません。

一つの音に対して、色んなコードを導き出せるようになりましょう。

２コードの９th
​

２コード、Dmに対してはm９になります。

ここからはエクステンションになるので、少し難しいです。

なぜ難しいのか？


エクステンションを加えると、フォームの選択肢が少なくなるからです。

ここでは押さえ方の説明は省きます。
​

ピアニストと比較すると、ギタリストは制約があります。

だからこそ工夫が必要です。

その説明は後でします。

５コードの１３（６）th
​

５コードG７に対しては、１３thとなります。

これもDmと同じです。

音が増えるほど、知識を要求されます。

そうでないと使い方が限定されてしまいます。



最後に７コード、Bハーフディミニッシュドに対しては１１thとなります。

３番目の音はトニック系のコードトーン
​​

ダイアトニックコードに対し、３番目の音が何なのか？を挙げました。

こうして調べると、改めてトニック系のコードトーン（１３５７）だと気付きませんか？

サブドミナントでは４コードが、メジャー７で含まれますが…

それ以外のコードはエクステンションとなります。


​シリーズを通して、思い出して下さい。

改めてスケールの１３５がトニック系である事が分かります。

馬鹿らしいですか？

バラしてみて初めて、当たり前な事が見えてきます。


当然の前提として、教えられてきた事ですよね？


当たり前を疑う、調べるのは、大きなメリットがあります。

違う視点が得られるからです。


応用とは、違う視点を得る事です。

簡単なものをいかに使い回せるか？

できなければ、知識として終わってしまいます。

​
簡単なものを使い回せば色々できます。

​音数に制約があるギタリストは、それが特に要求されている、と僕は思います。

他のコードとミックスできる
​

先ほど３番目の音を含む、C、Am、Emのコードは簡単に見つけられる。

その他は難しいと書きました。


ギターでエクステンションを加えると、押さえ方が限定的になるからです。

ただし…

簡単なコードを使い回す術を知ると、かなり変わってきます。


C、Am、Emを他のコードにあてがうとどうなるか？


例えばFに対して…

• CはFmaj９
• AmはFmaj７
• Fmaj９(#11)

シンプルなアイデアですが、これは大切です。

簡単なコードでも他とミックスした状態を知ると、アイデアに幅が生まれます。

伴奏もソロも同じ
​

これはアドリブする時に、一箇所でエクステンションを含むコードトーンを把握する事に役立ちます。

普通はアルペジオで、下から上に積み上げる意識になりがちですが…

例えば、Fmaj9だと低音域がFトライアドで上部がエクステンションみたいに。

でも、すぐそばでも色んな音を抽出できる、となります。


またこれは、共演者との兼ね合いにも大きく関わります。

コード譜に書かれたコードしか弾けない人と共演する場合、自分が違うコードを弾いてカラーを演出できます。


また、自分がバッキングを一手に担当する場合も、動きを与えるためのいいアイデアとなります。

伸ばす時間に気をつければいい
​

一人で弾く場合、動きを与えると言ってもやたらに弾いて良いものか…？

これには時間が大きく関わります。：

瞬間的なもの、経過として挿入するものならば大丈夫です。


そしてこれら簡単なコードは、移動せずに弾けます。

素早く、行ったり来たりできれば、自分の感覚に任せて遊べます。


​これも簡単なコードだからこそ小回りが利きます。

ノンダイアトニックに対して
​​

スケールの３番目と７番目は、実はシャープ系のキーに対して重要な音です。

なぜなら…

1. G (F#)
2. D (F#,C#)
3. A (F#,C#,G#)
4. E (F#,C#,G#,D#)
5. B (F#,C#,G#,D#,A#)
6. F# (F#,C#,G#,D#,A#,E#)
7. C# (F#,C#,G#,D#,A#,E#,B#)

シャープ系であれば、遠いキーに転調してもEに#がつくのは最も遠いトライトーンのF#です。

ということは…

３番目の音はシャープ系セカンダリードミナントでかなり安全
​

転調とまで言わなくても、セカンダリードミナントに対して強力な味方です。

例えば…

C - A7 - Dm - G7

1625の６がドミナントになっている場合、A7 ( A C# E G )のC＃が問題です。

それでC#に意識が集中し過ぎてしまう悩みがありませんか？

​僕はありましたよ。

Eの音にとどまっていてもいいんだ、となれば気持ちに余裕ができます。

結果、大らかに歌えます。


さらに…

E7 - A7 - D7 - G7

3625の全てがドミナントという場合、特にEの音は重宝します。

コードが変わっても、ここにいれば安全です。

闇雲にそれらのコードトーンを追いかけるのではなく、Eの音から作られるフォームを探して下さい。

そうすれば落ち着いて対処できますよ。


最後に、フラットキーに対しては、スケールの１番目と５番目が変わらずに残る音となります。

ですからフラット系に転調する時は、同様にそれらにしがみつけば良しとなります。

ただし、もっと簡単に言えば…

​マイナーペンタから崩していくのが、ギタリストには自然なやり方でしょう。

​

All the things you are
​

転調するときは、共通音を絡めて弾くとスムースな繋がりができます。

​そのためにもこのアイデアは重宝します。

有名スタンダードのAll the things you areは転調を5回含みます。


キーは通常Abです。

Ab, C, Eb, G, Eという具合に部分転調が激しいです。


それでAbを中心に捉えると、こうなります。

• C=メジャー３rd
• Eb=５th
• G=7th
• E=b6th

Eへ転調する以外は全てシャープ系のキーとなります。

それらのキーで、共通音となるのが３と７番目の音となります。

Abのキーなら、CとGです。

一箇所でキーチェンジに対応するのは、最初は難しいと思います。

それを超簡単にするのが、EADGCサイクルです。

メジャー７のコードトーンに沿って
​

転調の順番はメジャー７のコードトーンです。

最後にb６を気をつけるだけです。

そうやって全体を把握しておくと、そこから色んな発見も出て来ます。


ジャイアントステップスと同じキーチェンジが含まれている、とか。

b６の転調を練習しているうちに、オルタードスケールも一緒に覚えられるとか。

​下の動画で詳しく説明しています。

​

いかがでしたか？
​

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​